『アマデウス』映画で使われた曲一覧｜クラシック名曲とシーンの関係

映画『Amadeus（アマデウス）』（1984年公開）は、モーツァルトとサリエリの対立を描いた名作ですが、その映像の力を支えているのが音楽です。モーツァルトの交響曲、オペラ、アンサンブルなど、数々のクラシック作品がシーンに華を添えています。

本記事では、劇中で使われた代表的なモーツァルト曲やその他のクラシック曲をピックアップし、それぞれがどのような場面・感情を演出しているかをシーンごとに紐解いていきます。映画をより深く味わいたい方におすすめです。

映画『アマデウス』で使われるモーツァルトの傑作たち

映画『アマデウス』では、モーツァルトが生涯にわたって作り上げた数々の楽曲が、ストーリーと密接に結びついて使用されています。

彼の音楽は単なるBGMではなく、登場人物の感情や心理描写を補完する役割を担っています。

ここでは、劇中で特に印象的に使われた代表曲とそのシーンとの関係について解説します。

交響曲 第25番 ト短調 K.183 — オープニングの緊張感

映画の冒頭、サリエリが自殺未遂を図るシーンで流れるのが、モーツァルトの交響曲第25番ト短調です。

激しくドラマチックなこの楽曲は、作品全体のテーマとなる“天才への嫉妬”と“内面の葛藤”を暗示しています。

モーツァルトの明るいイメージを覆すような切迫感が、サリエリの苦悩を見事に表現しています。

ピアノ協奏曲 第22番 変ホ長調 K.482 — コンサートシーンでの華やかさ

王宮での演奏や社交シーンでは、ピアノ協奏曲第22番が登場します。

この曲は、モーツァルトの優雅さと軽快さを象徴する一曲であり、彼の音楽がいかに聴衆を魅了していたかを印象付けます。

また、劇中のモーツァルト自身の性格——陽気さ、気まぐれさ、そして天才的な即興力——を体現する音としても機能しています。

オペラ『フィガロの結婚』『ドン・ジョヴァンニ』— 人間関係のドラマを描く

『アマデウス』では、モーツァルトの代表的なオペラ作品も数多く使用され、物語の感情的な軸を支えています。

『フィガロの結婚』の軽妙さや、『ドン・ジョヴァンニ』の深い悲劇性は、劇中の人物関係やモーツァルトの心情を映し出す鏡のように機能しています。

特に『ドン・ジョヴァンニ』の地獄落ちのシーンは、サリエリの視点から見たモーツァルトの内面世界と重なり、観客に強い印象を与えます。

Requiem（レクイエム）：映画終盤の重みと終焉

『アマデウス』の後半、物語がクライマックスに向かうにつれて登場するのが、モーツァルト最後の作品『レクイエム ニ短調 K.626』です。

この楽曲は映画全体を締めくくる象徴的な存在であり、死と向き合うモーツァルトの姿を音楽で描き出します。

天才の最期に寄り添う音楽として、観客に深い余韻を残します。

Requiem K.626 — 死の予兆とモーツァルトの最期

劇中では、病に倒れたモーツァルトがベッドに横たわりながら、サリエリに口述筆記させる形でレクイエムの制作が描かれます。

この場面で流れる「Introitus（入祭唱）」や「Kyrie（キリエ）」は、魂が静かに天へ昇っていくような神聖さを帯びています。

モーツァルト自身が自分の葬送曲を書いているという構図が、映画に独特の緊張感を与えています。

Dies irae、Lacrimosa — サリエリの告白と音楽の衝突

「Dies irae（怒りの日）」や「Lacrimosa（涙の日）」のパートでは、サリエリの嫉妬と尊敬の感情が頂点に達する場面と重なります。

劇中、モーツァルトが崩れ落ちるように作曲を続ける姿は、芸術と死の境界線を曖昧にする演出となっています。

Lacrimosaが途切れる場面は、モーツァルトの死と未完の作品の象徴として記憶に残ります。

その他のクラシックまたは非モーツァルト作品の挿入曲

映画『アマデウス』では、モーツァルトの楽曲が中心に使用されているものの、一部では他の作曲家のクラシック曲も効果的に挿入されています。

これらの音楽は、物語の背景やキャラクターの心情を際立たせ、モーツァルトの音楽とのコントラストを生み出しています。

非モーツァルト作品の存在が、映画全体に奥行きを加えているのです。

ペルゴレージ：Stabat Mater — 哀しみを帯びた祈りの調べ

モーツァルトの音楽が情熱的で輝きを放つ一方で、ペルゴレージの「スターバト・マーテル」は静謐で宗教的な雰囲気を醸し出します。

この曲は、登場人物たちの内面の悲しみや祈りの感情を代弁するように挿入されており、特にレクイエムとの対比で印象深く響きます。

神と向き合う場面での精神的な深みを強調する役割も果たしています。

伝統音楽やジプシー音楽 — 社会の表情を映すアクセント

映画内では、酒場や舞踏会などの場面で、ジプシー音楽や民俗調の伝統音楽が使われることもあります。

これらの音楽は、宮廷や音楽界とは異なる空気感を作り出し、当時のウィーン社会の多様性や階級の差を象徴しています。

サリエリとモーツァルトの対比をより鮮明にする装置としても機能しています。

音楽とシーンの関係性：演出にどう作用しているか

映画『アマデウス』において、モーツァルトの楽曲は単なるBGMではなく、登場人物の感情やシーンの空気を映し出す演出装置として機能しています。

音楽が映像に与える影響は大きく、劇中の緊張・高揚・絶望などの感情を巧みに増幅させています。

音楽が映像の「声」になっていると言っても過言ではありません。

音楽で心理を描く：サリエリの嫉妬と尊敬の混ざり合い

サリエリはモーツァルトの才能に圧倒されながらも、それを誰よりも理解していた人物です。

彼の視点から語られるモーツァルトの音楽は、「神の声」として描かれ、嫉妬と崇拝が入り混じった複雑な感情を表現します。

ナレーションと共に流れるモーツァルトの旋律は、サリエリの内面を視覚化するための“言葉以上の説明”となっています。

コントラストの使い方：モーツァルトの自由奔放さ vs サリエリの秩序志向

モーツァルトの音楽が自由で生き生きとしているのに対し、サリエリの音楽は構造的で整っていることが映画でも暗示されています。

この対比は、それぞれの人間性の違いを象徴しており、音楽によるキャラクター描写の一例となっています。

音楽がキャラクターの“個性”を語る、極めて映画的な手法です。

まとめ：『アマデウス』音楽の力がもたらす映画の余韻

『アマデウス』は、モーツァルトの楽曲を中心に構成された映画でありながら、その音楽がストーリーやキャラクターの心理を深く掘り下げる重要な役割を担っています。

単なる伝記映画や音楽映画にとどまらず、芸術と人間の葛藤、才能と嫉妬、崇拝と破壊という複雑なテーマを音楽で表現した点が、本作の真価といえるでしょう。

モーツァルトの音楽そのものが、“語り手”となっている作品です。

音楽を知ることで映画がより深く味わえる

作品に登場する楽曲の背景や構造を理解すればするほど、映画の各シーンの意味や演出意図がより明確に感じられます。

とくにレクイエムの制作シーンは、モーツァルトという人物の魂が音楽に溶け込む瞬間を目撃するような没入感を生み出します。

映画を観終えた後、改めて音楽だけを聴いてみると、新たな感動が湧いてくるはずです。

モーツァルトの楽曲とともに蘇る感情

『アマデウス』は、映画を超えて、クラシック音楽そのものの魅力を再発見させてくれる作品でもあります。

彼の旋律を通して、“天才”とは何か、“芸術”とは何かを私たちに問いかけてきます。

音楽に心を動かされたすべての人にとって、忘れられない一本となることでしょう。